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Sigmar Polke, Supermarkets, 1976. Tomada de Pinterest.

El pop art más allá de Andy Warhol: 10 artistas imprescindibles del movimiento

Lista 21.05.2019

Manuel Guerrero

Presentamos un breve repaso por la historia del pop art a través de la obra de artistas tanto de Estados Unidos como de Europa.

Los orígenes del pop art pueden rastrearse en Reino Unido a finales de la década de 1950. A través del trabajo de artistas como Richard Hamilton o Eduardo Paolozzi, y las agudas observaciones del crítico inglés Lawrence Alloway sobre la relación entre el arte y la cultura de masas, la escena artística británica comenzó a cuestionarse de qué forma el arte podría relacionarse con esta nueva circunstancia cultural, más «real» que los valores trascendentales del expresionismo abstracto.

En medio de la avidez de la clase media por las coloridas mercancías producidas en serie, la asimilación de las estrellas del cine o la televisión estadounidense como los nuevos cánones de identidad y belleza y —en general— la aspiración por un estilo de vida más holgado del que se vivió durante las guerras mundiales, diversos artistas desde Estados Unidos hasta Bélgica moldearon su postura, incorporando elementos de los medios publicitarios y el entretenimiento audiovisual en la composición de sus propuestas.

Podría convenirse, de manera general, que Andy Warhol es el artista más representativo del pop art: desde su trabajo en la serigrafía hasta las colaboraciones multidisciplinarias en el cine y la música, Warhol forjó una imagen y legado indisociable de la cultura pop, al grado de que se ganó el sobrenombre del «Papa del Pop». Sin embargo, esto sería dejar a un lado toda una historia y artistas cuyas contribuciones son imprescindibles para entender el movimiento, por lo que presentamos algunos creadores que fueron clave en su desarrollo. El orden es alfabético.

 

—Evelyne Axell (Bélgica, 1935-1972)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Evelyne Axell. Tomado de Widewalls.

A finales de la década de 1950, Axell estuvo involucrada en los medios de comunicación de los canales televisivos belgas, donde desarrolló una carrera como actriz y también entabló amistades con un grupo de jóvenes artistas de vanguardia.1 Debido a que el entorno de la televisión «le resultó trivial»2, en 1964 dejó su carrera en la actuación para enfocarse completamente en la pintura, bajo la enseñanza del artista francés René Magritte.

Como parte de las actividades de su pareja —el director Jean Antoine Axell— viajó constantemente a Londres en la década de 1960 para conocer la escena del pop art en la ciudad, algo que marcó profundamente el trabajo de la artista, pues en gran parte de sus pinturas puede advertirse la huella de la moda psicodélica a través de la paleta de colores y los iconos populares de la televisión. Sin embargo, las modelos representadas en sus piezas contrastan con esta lógica de consumo, pues no están subyugadas al esquema publicitario.

Si bien el trabajo de Evelyne Axell tuvo una recepción positiva en la escena del arte internacional,  su carrera terminó en 1972 —cuando la artista tenía 37 años— durante un accidente automovilístico.

Pintura circular con patrones de color. Pop art artistas.

Evelyne Axell, Le mur du son, 1966. Tomada de Aware: Archives of Women Artists.

—Pauline Boty (Reino Unido, 1938-1966)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Pauline Boty. Fotografía de Michael Ward. Tomada de National Portrait Gallery.

Pauline Boty fue una destacada pintora del movimiento del pop art británico,3 cuyo trabajó logró conseguir mucha atención durante su época, pues apareció en revistas y proyectos documentales como Pop Goes the Easel, filmado en 1962, el cual brinda un panorama del movimiento en Reino Unido.

Egresada del Royal College of Art, donde estudió vitral y pulió sus técnicas de pintura, Boty exploró temas que abarcaron desde la sexualidad representada en los distintos medios de comunicación hasta acontecimientos políticos de Reino Unido y Estados Unidos. La consistencia de su trabajo a nivel formal y simbólico la convirtió en un referente a la par de otros creadores como David Hockney o Peter Blake.

En su trabajo, es posible advertir cómo las figuras mediáticas, tanto hombres como mujeres, comparten un mismo espacio de representación del deseo. Esto puede advertirse en It’s A Mans World I y II (1965): un díptico donde Boty contrapone cuerpos desnudos femeninos y retratos de personalidades como Elvis Presley, Albert Einstein o Vladimir Lenin.

A la par de su producción pictórica, Pauline Boty tuvo apariciones en televisión, cine y radio, lo cual marcó su percepción sobre la cultura de masas en relación al arte, un caso similar al de Evelyne Axell.

Murió de cáncer en 1966, a la edad de 28 años.

Pintura de desnudo femenino. Pop art artistas.

Pauline Boty, It’s A Mans World I y II, 1965. Tomada de Wikiart.

—Marisol Escobar (Francia, 1930-Nueva York, 2016)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Marisol Escobar. Tomado de A1 Consulting.

Quizás por su afinidad con el ámbito visual de lo publicitario y el diseño gráfico, la pintura, el collage y la serigrafía fueron técnicas que definieron la producción artística del pop art, sin embargo, la escultura no estuvo al margen de la exploración de algunos artistas y su posicionamiento respecto al contexto. Tal es el caso de Marisol Escobar, escultora francesa de ascendencia venezonala cuyo trabajo exploró los modos de vida de la posguerra.

En su trabajo, Escobar enfatiza las formas toscas y cuadradas de las figuras humanas como una alegoría de los esquemas bajo los que el individuo desarrolla sus vínculos afectivos y sociales. Esto puede observarse en The Family (1963): un conjunto de esculturas que representa una familia convencional, pero que destacan por la rigidez de sus cuerpos, formados por prismas rectangulares, escasos modelados orgánicos y rostros sintéticos.

Si bien Escobar estuvo dentro de la «órbita» artística del pop art neoyorquino por su amistad con artistas como Andy Warhol y Roy Lichenstein,4 la artista tomó como principales influencias el cubismo y el arte precolombino.

Esculturas de madera. Pop art artistas.

Marisol Escobar, The Family, 1963. Tomada de Pinterest.

—Richard Hamilton (Reino Unido 1922-2011)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Richard Hamilton. Tomado de National Portrait Gallery.

Junto a Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton es considerado como uno de los «padres» del pop art en Reino Unido, ya que fue uno de los primeros artistas en experimentar la relación entre el arte y la cultura de masas, especialmente en la pintura, el collage y el diseño gráfico.

En una carta escrita en 1957, Hamilton define el pop art como «popular, concebido para las masas; efímero, con soluciones a corto plazo; prescindible, fácilmente olvidable; de bajo coste; producido en masa; joven, dirigido a la juventud; ingenioso; sexy; efectista; glamurosa; un gran negocio».5

Esta filosofía podría sintetizarse en Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (1956): una pieza de collage en la que el artista coloca dos modelos —hombre y mujer— en un departamento amueblado de acuerdo con una estética moderna. La presencia de adelantos tecnológicos, como una grabadora de cinta, así como productos comestibles y de decoración, perfila una escena cercana al hedonismo del Jardín del Edén de la cosmogonía judeocristiana, solo que en el collage de Hamilton la narrativa de plenitud viene del capitalismo.

Además de su trabajo plástico individual, Hamilton mantuvo colaboraciones en otros campos del arte. Uno de ellos fue el diseño para el décimo disco de The Beatles en 1968, mejor conocido como el «White Album».

Collage en entorno moderno. Pop art artistas.

Richard Hamilton, Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?, 1956. Tomada de Tate.

—Corita Kent (Estados Unidos, 1918-1986)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Corita Kent. Tomado de Forward Festival.

Para Corita Kent, artista, educadora y monja estadounidense, la obra de Andy Warhol resultó una especie de epifanía cuando visitó la Ferus Gallery de Los Ángeles en 1962 y vio una de las reconocidas piezas de la serie Campbell’s Soup Cans. A partir del verano de ese año, Kent se volcó a experimentar en la serigrafía, tomando como principales referentes la comunicación gráfica, el rock y mensajes de los productos de supermercado. En su obra, Kent acostumbró mezclar la precisión del diseño con trazos gestuales.

En el transcurso de la década de 1960, Corita Kent cobró una gran fama, en parte por su propuesta y en parte por la imagen sui generis que proyectó frente a los medios de comunicación: vestida con su hábito, la artista reafirmaba la urgencia de una visión más positiva frente a los problemas del mundo, algo afín al espíritu del movimiento hippie en emergencia.

Debido a las discrepancias con el entorno católico que generó su compromiso artístico y político, Kent dejó el convento en 1968 y continuó produciendo sus trabajos en serigrafía, así como comisiones de gran formato, hasta su muerte en 1986.

La influencia de Corita Kent no estuvo limitada al ámbito de la práctica artística, pues fue una profesora de prestigiada en el Heart College de Los Angeles. Sus ideas en torno al arte interesaron a los diseñadores industriales Charles y Ray Eames —con quienes mantuvo una larga amistad— y al compositor John Cage.6

Mensaje en serigrafía. Pop art artistas.

Corita Kent, Look, 1965. Tomada de Corita Art Center.

—Sigmar Polke (Polonia, 1941-Alemania, 2010)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Sigmar Polke. Fotografía de Ludwig Rauch. Tomada del sitio del fotógrafo.

El proceso creativo de Sigmar Polke representó un punto de inflexión no solo para la pintura alemana, sino para el arte de Europa en la segunda mitad del siglo XX. Entre su consideración de la pintura como una especie de alquimia7 y el empleo simultáneo de imágenes propias de la cultura moderna y de la tradición del arte occidental, Polke construyó un imaginario visual cercano a las reflexiones gestadas en la escena del pop art británico y estadounidense, pero a un nivel menos condescendiente con el consumismo.

Sigmar Polke enfocó su atención en el ambiente social y cultural de Alemania, cuya iconografía y estilo de vida estaba cargada de imágenes publicitarias y aspiracionales, las cuales presentaban un contexto muy diferente a lo que podía verse en las imágenes de otra de las corrientes artísticas de la época: el realismo socialista. Piezas como Alice in Wonderland (1971) muestran el sincretismo característico de Polke: la imagen de un cuento clásico como el de Lewis Caroll puede convivir con las nuevas figuras «míticas» que se forman en el deporte, sobre distintos trozos de tela confeccionados en masa.

Pintura de Alicia en el país de las maravillas. Pop art artistas.

Sigmar Polke, Alice in Wonderland, 1971. Tomada de Pinterest.

—Eduardo Paolozzi (Reino Unido, 1924-2005)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Eduardo Paolozzi. Tomado de National Portrait Gallery.

Desde su infancia, Paolozzi mostró un gran interés tanto en el imaginario procedente de las revistas y el ámbito publicitario como en los avances tecnológicos de la época.

El artista incorporó su cultura visual desarrollada a través de las imágenes de revistas, cromos y anuncios en sus piezas de collage, realizadas durante la década de 1940. Algunos casos paradigmáticos son I was a Rich Man’s Plaything (1947), donde el deseo sexual convive con la fascinación por las mercancías; y Meet the people (1948) en el que los colores pastel, en relación con los las imágenes de modelos, comida y personajes de caricaturas, construyen un estilo de vida «ideal».

A partir de 1950, Paolozzi desempeñó un papel crucial para la comprensión del pop art en Reino Unido y Estados Unidos —aunque nunca se sintió identificado con el concepto8— por la forma en la que mezclaba aspectos compositivos de la imagen artística-académica con las referencias de la cultura popular.

Probablemente uno de sus proyectos menos conocidos pero más representativos de sus intereses creativos es el Krazy Kat Arkive of Twentieth Century Popular Culture: un acervo de poco más de 20 000 juguetes, revistas y artículos variados que Paolozzi reunió a lo largo de su vida; un ejercicio con el que trató de entender la idiosincracia de las sociedades a través de sus objetos.

Collage pop. Pop art artistas.

Eduardo Paolozzi, I was a Rich Man’s Plaything, 1947. Tomada de Pinterest.

—Robert Rauschenberg (Estados Unidos, 1925-2008)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Robert Rauschenberg. Fotografía de Robert Mapplethorpe Foundation. Tomado de Tate.

La relación de Robert Rauschenberg con las corrientes del expresionismo abstracto y el pop art gozan de cierta ambigüedad. Por una parte, en sus pinturas de los años sesenta experimentó con diversos soportes y técnicas, los cuales rompían con las convenciones bidimensionales de la pintura y la abstracción dictada por críticos como Clement Greenberg.

Por otra parte, el resultado visual de Rauschenberg difícilmente podría enmarcarse en los tratamientos de otros artistas pop como Roy Lichenstein o Andy Warhol, aunque Rauschenberg manifestó su interés por las imágenes de la cultura popular como elementos de composición pictórica. En un texto de 1957, el artista declaró: «considero el texto de un periódico, el detalle de una fotografía, la puntada en una pelota de beisból y el filamiento de una bombilla tan fundamentales para la pintura como el trazo del pincel o el goteo del esmalte».9

En este sentido, Rauschenberg representa un punto de quiebre para la historia del arte, donde la fascinación visceral por el entorno mediático y los productos maquilados industrialmente no eran el principal motor de su trabajo, sino el punto de partida para pensar lo real. Piezas como Buffalo II (1964) o Retroactive II (1963), compuestas por fotografías, tansfers y gestos de color, guardan una armonía compositiva, pero al mismo tiempo mantienen un vínculo con el contexto político de Estados Unidos.

Collage con John F. Kennedy. Pop art artistas.

Robert Rauschenberg, Buffalo II, 1964. Tomada de Flickr.

—Sturtevant (Estados Unidos, 1924-Francia 2014)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Sturtevant. Tomado de Crystal Moody.

La carrera de Elaine Frances Sturtevant —mejor conocida en el ámbito artístico simplemente como Sturtevant— nunca estuvo exenta de polémica : su extenso cuerpo de trabajo, constituido por réplicas de piezas de artistas como Roy Lichenstein, Keith Haring, Jasper Johns y Joseph Beuys, entre otros, puso en jaque toda noción sobre el autor y originalidad. Lejos de que esta situación irritara a los artistas, gran parte de ellos se lo tomó de manera positiva: De hecho, el mismo Andy Warhol citó —con cierto humor e ironía— a la artista cuando le preguntaban sobre el proceso técnico detrás de series como Marilyn Monroe. «Pregúntale a Elaine», decía.10

Sturtevant incursionó en el medio del arte con este proyecto en 1964, reproduciendo con exactitud algunos de los trabajos más representativos de su generación. Una de las principales apuestas de Sturtevant con esta serie era explorar de qué forma una imagen circula en la cultura popular y cómo ésta adquiere una condición aurática11: por ejemplo, en qué medida los múltiples retratos de Marilyn Monroe hechos por Andy Warhol en serigrafía deben asociarse al artista y no a la actriz o a la estructura cultural de la que salió la imagen.

Más que la pintura en sí misma, podría decirse que el principal medio de Sturtevant es el estilo, como apuntó el texto de sala para su exposición en el MoMA en 2014:12 una extensa revisión de más de 50 años de producción artística.

Retrato de Marilyn Monroe. Pop art artistas.

Sturtevant, Warhol’s Marilyn Monroe, 1999. Tomada de Sotheby’s.

—Tom Wesselmann (Estados Unidos, 1931-2004)

Retrato de artista. Pop art artistas.

Retrato de Tom Wesselmann. Tomado de Pinterest.

Después de servir en el ejército de Estados Unidos a inicios de 1952, Tom Wesselmann entró a la Universidad de Cincinnati donde estudió psicología y tomó clases de arte13. Posteriormente, continuó sus estudios de pintura en la Cooper Union for the Advancement of Science and Art de Nueva York, obteniendo recursos gracias a un trabajo de medio tiempo como caricaturista.

Entre las experiencias en el ejército, los cambios que advirtió en la vida civil y la nueva cultura norteamericana, la producción artística de Wesselmann estuvo abierta a incorporar motivos publicitarios en sus pinturas: en ocasiones como elementos compositivos o bien, como si fueran los objetos representados per se.

Aunque es común ver en el cuerpo de obra de Tom Wesselmann alusiones a géneros pictóricos como el desnudo o la naturaleza muerta, donde la composición ocurre dentro de un formato convencional, sus obras más emblemáticas atienden a una ruptura del soporte rectangular. Por ejemplo, el «lienzo» de Still Life #61 (1976) sigue la silueta de los objetos representados, sin descuidar la disposición de las formas en el espacio.

Pintura de objetos. Pop art.

Tom Wesselmann, Still Life #61, 1976. Tomada de Gagosian.

1 Biografía de Evelyne Axell en el sitio oficial de la artista. Consultado el 20 de mayo de 2019. Disponible en línea.

2 Ibid.

3 Biografía de Pauline Boty. Tate. Consultada el 20 de mayo de 2019. Disponible en línea.

 https://www.tate.org.uk/art/artists/pauline-boty-2684

4 Biografía de Marisol Escobar. Encyclopædia Britannica.  Consultada el 20 de mayo de 2019. Disponible en línea.

5 Carta de Richard Hamilton, 1957. Disponible en línea.

6 God’s own Pop artist. Christie’s, 9 de julio de 2018. Consultado el 20 de mayo de 2019. Disponible en línea.

7 «The transformative potential of materials, both physical and metaphorical, was Polke’s constant obsession in painting. His longstanding interest in alchemical practices led to deeper investigations of the optical effects of pigments and minerals in paint».Texto de prensa de la exposición Sigmar Polke: Por Paintings on paper, en la Michael Werner Gallery, 2017. Disponible en línea.

8 «Often called a founder of Pop Art, a term he neither liked nor acknowledged for his own work, his art captured the breadth of the modern world». Biografía de Eduardo Paolozzi. Consultada el 20 de mayo de 2019. Disponible en línea.

9 Robert Rauschenberg citado en la página oficial del MoMA, Statement from 1956 en In Need of Repair: The Early Exhibition History of Robert Rauschenberg’s Combines, Burlington Magazine 154, marzo de 2017. Pág. 197. Disponible en línea.

10 Patricia Lee, Sturtevant: Warhol Marilyn, London, 2016, pp. 19-20. Disponible en línea.

11 En referencia al concepto de «aura» de Walter Benjamin, desarrollado en La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, de 1963.

12 «Sturtevant is better understood as an artist who adopted style as her medium and took the art of her time as a loose “score” to be enacted».  Sturtevant: Double Trouble, MoMA. Disponible en línea.

13 Kevin Conley, The Most Famous Pop Artist You Don’t Know; The New York Times, 22 de Agosto de 2016. Consultado el 20 de mayo de 2019. Disponible en línea. 

 

Manuel Guerrero

Ha participado en más de quince exposiciones colectivas y encuentros de arte sonoro en México, Reino Unido, Japón y España. A la par de la producción artística, ha escrito para más de doce plataformas dedicadas a la reseña y crítica de arte.

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