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10 documentales para entender el arte contemporáneo

Lista 11.11.2019

Presentamos una selección de diez documentales en los que se revisan temas afines con el arte y la cultura contemporáneos.

En el arte, el documental es una herramienta útil para que el público pueda aproximarse al proceso creativo de los artistas o un periodo histórico concreto de una forma más accesible y amena. Quizás una de sus principales cualidades a destacar es la posibilidad que tiene de presentar testimonios de viva voz de los creadores o de personas involucradas, algo que nos permite saber qué tan activa está la discusión en torno a un tema o trabajo en particular.

Aunque la concepción romántica del artista sea algo que ya no encaja dentro del arte contemporáneo, en la práctica artística y los movimientos culturales existen factores que muchas veces no se pueden rastrear únicamente desde los proyectos o las exposiciones, ya que involucran varios aspectos políticos y sociales. En este sentido, el trabajo de los directores de cine documental es imprescindible para construir un entendimiento del arte más allá de las perspectivas académicas.

Esta selección de documentales incluye películas que revisan la trayectoria de artistas de gran importancia a nivel internacional, investigaciones sobre movimientos artísticos desde la década de 1960 en adelante, así como estudios sobre la escena y mercado del arte.

 

Marcel Duchamp: Art of the Possible (Matthew y Michelle Taylor,2019)

Marcel Duchamp abrió el camino para los artistas del siglo XX: Andy Warhol y Jeff Koons son solo algunos personajes que reconocen la influencia y vigencia de su legado.

En Art of the Possible, Matthew y Michelle Taylor ofrecen un acercamiento a las ideas de Duchamp, desde un punto de vista menos teórico pero más directo. A través de entrevistas de archivo y comentarios de personalidades como Marina Abramović, Joseph Kosuth, entre muchos otros, podemos conocer en qué aspectos Duchamp transformó la concepción general del arte, desde sus primeros trabajos asociados al dadaísmo, pasando por los ready-mades hasta sus últimas piezas antes de convertirse en marchante de arte y jugador profesional de ajedrez.

El documental se estrenará el próximo 23 de noviembre, en distintas plataformas de streaming. Para más información, consulta la página oficial.

Ai Weiwei: Yours Truly (Cheryl Haines, 2019)

A partir de una acción alentada por el artista y activista chino Ai Weiwei, que consistió en que 92 829 personas escribieran una carta para un prisionero en alguna parte del mundo, Cheryl Haines realizó un documental sobre la exposición @Large: Ai Weiwei on Alcatraz, realizada en la conocida cárcel estadounidense, que logró la asistencia de másde 900 mil personas.

En el transcurso de Yours Truly, tanto el artista como la directora enfatizan la importancia de las manifestaciones de solidaridad en la lucha por la liberación de presos políticos.

Kusama: Infinity (Heather Lenz, 2018)

Yayoi Kusama ha ganado gran notoriedad en los últimos años, en gran parte por sus instalaciones inmersivas con espejos, que han despertado un gran interés donde sea que se presenten: probablemente el ejemplo más claro sea su exposición Obsesión Infinita, en el Museo Tamayo durante 2015, que contó con más de 320 mil visitantes y se ha presentado en otros países de Latinoamérica, como Brasil y Argentina.

Pero el reconocimiento de Kusama no es algo fortuito, ya que la artista comenzó su carrera en la década de 1960: fue contemporánea de artistas del pop art y su trabajo, tanto en la pintura como en la escultura, fue una gran influencia para las siguientes generaciones de creadores.

Cronológicamente, Kusama: Infinity presenta aspectos de la vida de la artista desde su infancia en Japón, donde creció en una familia muy conservadora, pasando por su llegada a Estados Unidos hasta su consolidación como figura clave en la historia del arte contemporáneo.

Saving Banksy (Colin Day, 2017)

Es bien conocida la cualidad efímera del street art, algo que se puede ver especialmente en el del grafitero anónimo Banksy: sus trabajos en el estencil suelen desaparecer en muy poco tiempo por la intervención de otros artistas.1

Por ello, no es extraño que el coleccionista Brian Greif generara un gran debate cuando se propuso «salvar» una de las intervenciones de Banksy: preservar una pieza de estas características y producida bajo esta lógica era algo casi contradictorio. Esto no detuvo a Greif, quien compró y restauró los tablones donde el grafitero inglés pintó una de sus famosas ratas, con el fin de donar la pieza a algún museo para que futuras generaciones pudieran verlo.

Dirigido por Colin Day, este documental no solo muestra las dificultades detrás de la preservación de trabajos realizados en las calles, sino la recepción que el street art tiene tanto en la cultura como en el arte contemporáneo y su mercado. Saving Banksy presenta algunos aspectos del coleccionismo que se ha construido alrededor del este tipo de arte; algunos galeristas han llegando a exponer en ferias internacionales porciones de muro tomadas de las calles.

Troublemakers: The story of Land Art (James Crump, 2016)

El land art es uno de los movimientos más controversiales en el arte del siglo XX por su claro interés en realizar proyectos fuera de los espacios expositivos convencionales, como la galería o el museo. Artistas como Robert Smithson o Walter de María —por mencionar algunos— plantearon piezas para campos abiertos, muchas veces distantes de cualquier entorno urbano, de miles de metros.

A pesar de la monumentalidad de los proyectos y relevancia del movimiento en la historia del arte, la información alrededor de él todavía requiere organización y existen varias dudas, desde los artistas asociados hasta el mismo término que se emplea para definirlos.

Ante esta situación, James Crump presenta uno de los proyectos de investigación más ambiciosos en torno al land art, ya que revisa a detalle la emergencia de este tipo de producciones artísticas a principios de la década de 1970, partiendo de archivos audiovisuales, fotográficos y viajes de campo a piezas como Spiral Jetty, de Smithson.

I am Sun Mu (Adam Sjöberg, 2015)

Desde finales de la década de 1990, Sun Mu —seudónimo que podría traducirse como «sin fronteras»— reside en Seúl, capital de Corea del Sur, donde se desempeña como artista y ha gestionado exposiciones en varias galerías y museos alrededor del mundo. Sin embargo, a pesar de ser un pintor con habilidades técnicas excepcionales, su trabajo destaca por la crítica constante a Corea del Norte, país en el que nació y del que escapó para continuar su carrera, lejos de la presión política a la que estuvo sometido.

El documental, sin ahondar en detalles biográficos por su propia seguridad y la de su familia —que todavía reside en territorio norcoreano—, presenta una mirada a las ideas y proceso creativo de Sun Mu quien, a pesar de mantenerse en el anonimato, ha sido constantemente asediado por el gobierno de Kim Jong-un, cuyos agentes han llegado incluso a sabotear sus exposiciones.

Además de servir como un acercamiento al trabajo del artista, el documental brinda una visión general de la vida dentro de Corea del Norte y sus políticas en torno al arte y la cultura. 

Hockney (Randall Wright, 2016)

Al artista inglés David Hockney se le reconoce principalmente por la producción artística que realizó entre 1960 y 1970, décadas de auge para el pop art en Gran Bretaña y Estados Unidos, principalmente. Sin embargo, a sus 82 años, Hockney se mantiene activo, pintando a diario y buscando nuevos recursos tanto plásticos como temáticos.

Titulado simplemente como Hockney, el documental es un repaso general por su trayectoria, compuesto por entrevistas con el artista así como comentarios de personas cercanas, historiadores y personajes clave en la escena del arte.

Marina Abramović: The Artist Is Present (Matthew Akers, 2012)

El documental realizado por Matthew Akers y Jeff Dupre sigue a Marina Abramović en los meses previos a la presentación de su retrospectiva en el MoMA en 2010, en la que se presentaron tanto registros como reactivaciones de algunas de sus acciones más emblemáticas, las cuales la han posicionado como un referente imprescindibile cuando se habla de la historia del performance.

La primera mitad de la película presenta un panorama biográfico de Abramovic, construido por entrevistas y comentarios de personas que la han acompañado a lo largo de su vida personal y como artista.

The Artist Is Present termina con tomas de las salas de su exposición en el MoMA, donde Abramović presentó también un performance donde se sentó durante 700 horas, para mirar a los espectadores directamente a los ojos. Durante la acción apareció Ulay, artista y expareja de Abramović, con quien sostuvo una relación afectiva y profesional por más de 20 años. La escena del reencuentro se volvió viral en internet.

El Informe Toledo (Albino Álvarez, 2009)

Francisco Toledo fue uno de los artistas más importantes de México, tanto por la numerosa obra que realizó en la pintura, la gráfica y el dibujo como por su compromiso social con las comunidades de Oaxaca y su lucha por la preservación del medio ambiente.

Parte de sus convicciones e intereses creativos se pueden apreciar en este documental dirigido por Albino Álvarez, en donde Toledo produjo alrededor de 15 grabados inspirados por un relato de Franz Kafka, donde también es posible escuchar algunos comentarios tanto del público como de teóricos y críticos de arte sobre su legado y papel en la escena cultural de México.

Aunado a los testimonios, el documental presenta varios datos históricos sobre el contexto histórico y político de México en el que Francisco Toledo se formó y desarrolló su carrera.

ArtShock: What Price Art? By Tracey Emin (Archie Powell, 2006)

Distribuido por capítulos —a la manera de una serie de televisión—, este documental presentado por la artista Tracey Emin revela las desigualdades de género dentro del museo, las galerías y las ferias de arte: un fenómeno que determina varios aspectos del desarrollo profesional de las artistas mujeres, tales como la realización de exposiciones o la cotización de sus obras en el mercado del arte por un precio menor a las de sus pares varones; situaciones que a largo plazo determinan el impacto y visibilidad de sus propuestas.

1 Gran parte de la filosofía de esta corriente artística que toma las calles está presente en el documental Exit Through the Gift Shop, producido por Banksy en 2010.

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