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David Zwirner. Fotografía de Andrew Toth. Tomada de Getty Images.

David Zwirner y el apoyo a las galerías jóvenes

Destacado 22.05.2018

Manuel Guerrero

David Zwirner, uno de los galeristas más importantes de las escena del arte contemporáneo a nivel mundial, propone algo inédito para el mercado del arte.

A finales de abril, el reconocido galerista David Zwirner generó un debate a partir de su intervención en una conferencia en Berlín, al sugerir que las grandes galerías deberían pagar tarifas más altas por los stands de las ferias para así subsidiar la participación de galerías emergentes, declaración que recibió el apoyo de otros importantes comerciantes. En el evento organizado por el New York Times, que coincidió con las actividades de Gallery Weekend Berlin 2018, propuso un sistema que operaría «como un impuesto: ganas un poco más de dinero y pagas un poco más de impuestos».1

A pesar de las críticas positivas que recibió la propuesta, sus palabras —de acuerdo con la información recopilada por The Art Newspaper— generaron en los expositores de la sección «Frame»2 de Frieze New York una serie de opiniones que puntualizaron cómo la idea —aunque positiva— no atiende a los desafíos más complicados que enfrentan los negocios en torno a la venta y difusión del arte.

Para Olivia Barrett, de la galería Château Shatto (con sede en Los Ángeles), la idea de Zwirner es «bondadosa», pero también «pragmática», debido a que la participación de pequeñas galerías en ferias «cultiva mercados, muchos de los cuales serán capitalizados por galerías ‘más grandes’». 3

Frieze New York. Tomada de ArtNews.

 

Respecto al tema, Harry Beer —cofundador de la galería londinense The Sunday Painter— considera que la subvención de los espacios en las ferias distan de tratar el problema de fondo, debido a que «la polarización del mercado del arte es una cuestión de profundas raíces en el que están involucrados muchos factores».4 Beer sugiere que una opción más viable es la aplicación de una tarifa de transferencia, pagada por grandes galerías cuando los artistas se trasladan a ellas desde otras pequeñas o medianas.5 Además, comenta que las compañías dedicadas al transporte podrían reducir sus precios para pequeñas operaciones en el ánimo de alentar el crecimiento de galerías emergentes; menciona el ejemplo de The Sunday Painter, en la que el transporte y los costos relacionados con las ferias de arte representaron el 35% de los gastos operativos totales del año pasado.

Stefan Benchoam de Proyectos Ultravioleta, galería con sede en la Ciudad de Guatemala, apoya la idea de Zwirner, pero señala que hay que ser cauteloso, pues —en su opinión—, «no debemos engañarnos a nosotros mismos: vivimos en un mundo neoliberal y trabajamos en una industria ‘hipercapitalista’, y las cosas en realidad no cambiarán hasta que las grandes potencias entiendan y vean el valor actual de cambiar el sistema desde adentro».6

Marc Glimcher, presidente y director ejecutivo de Pace Gallery —una galería con enorme presencia en el mercado del arte— respalda la sugerencia de Zwirner en Berlín, señalando que es responsabilidad de las ferias encontrar la forma de hacer que la idea tributaria funcione. Glimcher explica que, por ejemplo, un aumento del 10% en el precio de los stands para las grandes galerías podría significar un descuento del 50% para las más pequeñas, aminorando su carga económica. Desde su perspectiva, estas medidas tendrían como propósito «nutrir a galerías más pequeñas que también atraigan a los artistas más jóvenes».7 Más que un ecosistema totalmente equilibrado, Glimcher piensa en él como una cadena alimenticia.

Keith Sonnier en Frieze New York, 2017. Fotografía de Kerry Ryan McFate. Tomada de Pace Gallery.

 

Otros galeristas dispuestos a pagar el «impuesto» planteado por Zwirner son Thaddaeus Ropac y Alex Logsdail, el director ejecutivo de Lisson Gallery, quien agrega que es responsabilidad de la comunidad de galeristas apoyarse mutuamente para generar oportunidades de crecimiento. Sin embargo, Marc Spiegler —director de Art Basel— comentó para Artnet News que el verdadero problema para las galerías actualmente —que cuentan con bastantes artistas exitosos— es el flujo de fondos, ya que a menudo tienen dificultades relacionadas con el financiamiento de diversas exposiciones presentadas en museos y bienales, así como en la producción; a esto se suma el constante retraso en los pagos de los clientes y la reacia postura de los bancos a dar préstamos a pequeños negocios que están fuera de los circuitos mercantiles convencionales. En este sentido, Spiegler considera que sería grandioso que las galerías con mayor éxito estuvieran dispuestas a co-firmar préstamos para las galerías más jóvenes.8

Acerca de las declaraciones de Zwirner, Victoria Siddall —directora de las ferias Frieze— menciona que Frieze ha estado subvencionando stands para galerías jóvenes desde 2009. Aclaró que «siempre ha sido muy importante para la feria que las mejores galerías de todo el mundo puedan participar en sus eventos, independientemente de su edad».9 Sobre Frieze New York, celebrada del 2 al 6 de mayo, comentó que «los expositores en la sección ‘Frame’ pagaron 50% menos por metro cuadrado que las galerías en la sección principal, mientras que el costo para los que están en ‘Focus’10 se redujo un 30%».11 Según notas de The Art Newspaper, para 2018 las cuotas de inscripción para ‘Frame’ bajaron un 20% respecto al año pasado, y añade que la participación en Live, la nueva sección dedicada a performance, es gratuita.

Sección Frame en la Frieze New York 2018. Tomada de Galerie Sultana.

 

Más allá de las opiniones vertidas dentro del mercado del arte, los comentarios de Zwirner caen en un momento interesante en lo que respecta a la exhibición y difusión del arte en Estados Unidos: a inicios de abril del 2015, el crítico y curador Benjamin Sutton señaló, en un texto publicado en la página de Hyperallergic, que los artistas representados por Hauser & Wirth, Marian Goodman Gallery, Pace, Gagosian Gallery y el propio David Zwirner, recibieron el 30% de las exhibiciones individuales presentadas en 68 museos norteamericanos, según encuestas anuales de asistencia realizadas por The Art Newspaper.12 Sobre la oferta de exposiciones en Nueva York, las instituciones de la «Gran Manzana» mostraron un mayor interés en exhibir el trabajo de los artistas representados por alguna de las galerías mencionadas que un museo en Los Ángeles. Especificando el caso, el Solomon R. Guggenheim Museum fue el más dispuesto a alojar exposiciones de este circuito de galerías, pues 11 de 12 exposiciones realizadas en sus instalaciones, entre el 2007 y el 2013, estuvieron dedicadas a alguno de ellos.

Sutton retomó en su columna dos perspectivas sobre este fenómeno: por un lado, este tipo de información alienta el temor de que las galerías suplanten a los museos como impulsores del discurso del arte contemporáneo. Para Robert Storr —decano de la Facultad de Arte de la Universidad de Yale—, «los curadores están abdicando y delegando sus responsabilidades (…) a galeristas más arriesgados que, aparte del motivo de la ganancia, resultan ser —en muchos casos— más audaces y curiosos que sus contrapartes institucionales».13 El autor añade a lo dicho por Storr que los cinco galeristas en cuestión siempre superan a los directores de los principales museos de Estados Unidos en la lista anual Power 100 de Art Review.

London’s Offer Waterman en Frieze New York 2018. Fotografía de Maximiliano Durón. Tomada de ArtNews.

 

Por otra parte, Sutton mencionó la perspectiva de algunos observadores que ven el predominio de los artistas representados en los museos como algo inevitable. Cuando los artistas han alcanzado cierto punto en sus carreras, marcado por el reconocimiento de la crítica y un apoyo comercial, es más probable que sean objeto de exposiciones individuales, por la atención mediática que han generado y su trayectoria.

Acerca del tema, figuras clave del mercado del arte como Marian Goodman señalaron su interés en apoyar a los museos —desde el aspecto económico y de infraestructura hasta los procesos de investigación— brindando facilidades de todo tipo.

Sutton cierra su texto —dejando de lado la cuestión de la desproporcionada representación que obtienen algunos artistas— con una reflexión en torno a la desventaja que puede significar para otros artistas exponer en un museo sin el cobijo de una galería. Como lo comenta Franklin Parrasch: «La preocupación es que el arte no relacionado con un mecanismo comercial de esa escala no obtenga suficiente representación», una idea relevante, pues algo de esta tendencia se puede advertir en otros circuitos museísticos de distintas partes del mundo. Al final del día, las galerías y museos no desaparecerán; por ello se vuelve necesario pensar en el contexto actual del arte en relación a estas situaciones con el propósito de asumir una participación crítica y activa —como público o como agentes culturales— ante el fenómeno, la cual influirá en el tipo de discursos y propuestas artísticas que veremos en los siguientes años.

 

 

[1] «(…) like a tax: you make a little more money, and you get taxed a little bit». David Zwirner en Anna Brady, ‘Robin Hood’ tax at fairs is a start, young dealers at Frieze New York say, The Art Newspaper, 2 de mayo de 2018. Consultado el 16 de mayo del 2018. Disponible en línea.
[2] Sección dedicada a galerías emergentes.
[3] «(…) Zwirner’s idea is “good-natured” but also “pragmatic”, since smaller galleries’ participation in fairs “cultivates markets, many of which will be capitalised upon by ‘larger’ galleries”». Olivia Barrett en entrevista con Anna Brady. Ibid.
[4] «(…)—the polarisation of the art market—which is, he says, “a deep-rooted issue with lots of contributing factors”». Harry Beer en entrevista con Anna Brady. Ibid.
[5] «More helpful, he suggests, would be a transfer fee paid by large galleries when artists move to them from small or mid-sized ones». Ibid.
[6] «We mustn’t fool ourselves: we live in a neoliberal world and work in a hyper-capitalist industry, and things won’t actually change until the major powers truly understand and see actual value in changing the system from within». Stefan Benchoam en entrevista con Anna Brady, Op. cit.
[7] «(…)it’s about having an interest in nurturing smaller galleries that also bring on the younger artists». Marc Glimcher en entrevista con Anna Brady. Op. cit.
[8] «The real issue for galleries now is cashflow because galleries that have a lot of successful artists often have the problem that they are funding a lot of museum and biennial shows, and production,” Spiegler said. “And yet clients often pay very slowly, and banks are often unwilling to give small business loans the way they would in more traditional business like real estate or gastronomy. It would be great if the more successful galleries would be willing to co-sign loans for the younger galleries». Marc Spiegler en entrevista con Kate Brown. David Zwirner Proposes an Art-Fair ‘Tax’ on Top Galleries—But Art Basel’s Marc Spiegler Has Other Ideas. Artnet news. Abril 27 del 2018. Consultado el 17 de mayo de 2018. Disponible en línea.
[9] «It has always been a very big deal for us that the best galleries from around the world can participate in Frieze fairs, irrespective of their age or scale». Victoria Siddall en entrevista con Anna Brady. Op. cit.
[10] Una de las secciones de la feria.
[11] «(…) exhibitors in the Frame section [for galleries under eight years old] pay 50% less per square metre than galleries in the main section”, while those in Focus cost 30% less. For 2018, stand fees in Frame are 20% lower than last year, and participation in Live, the new performance section, is free». Ibid.
[12] Por cuestiones desconocidas, la nota publicada en el sitio de The Art Newspaper en la cual se basa la nota de Benjamin Sutton ha sido eliminada o su consulta fue restringida. Consultado el 16 de mayo de 2018.
[13] «Curators are abdicating and delegating their responsibilities … to more adventurous gallerists who, aside from the profit motive and in some respects because of it, seem in many cases to be bolder and more curious than their institutional counterparts». Robert Storr en entrevista con The Art Newspaper, consultado en Benjamin Sutton, Artists from Five Galleries Dominate US Museum Shows. Hyperallergic, 2 de abril de 2015. Consultado el 16 de mayo de 2018. Disponible en línea.

 

 

Manuel Guerrero es artista visual/sonoro. Es egresado de la licenciatura en Artes Visuales, impartida en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Ha participado en más de quince exposiciones colectivas y encuentros de arte sonoro en México, Reino Unido, Japón y España. A la par de la producción artística, ha escrito para más de doce plataformas dedicadas a la reseña y crítica de arte.

Manuel Guerrero

Ha participado en más de quince exposiciones colectivas y encuentros de arte sonoro en México, Reino Unido, Japón y España. A la par de la producción artística, ha escrito para más de doce plataformas dedicadas a la reseña y crítica de arte.

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