«Un libro también puede existir como forma autónoma y autosuficiente, quizá incluyendo un texto que subraye esa forma, que sea una parte orgánica de esa forma: aquí comienza el nuevo arte de hacer libros». —Ulises Carrión

Por encima de la noción del libro como una publicación impresa en varios pliegos de papel encuadernados, cuya lectura va de izquierda a derecha y contiene solo una intención comunicativa, este objeto ha sido cuestionado por el campo de las artes desde inicios del siglo XX, cuando las vanguardias europeas experimentaron en distintos medios y formatos divergentes de la tradición plástica, dando pie a la conformación de una nueva disciplina: el libro de artista.

La edición de publicaciones que contienen el trabajo de artistas ya era una práctica conocida desde antes del siglo XIX; cuando los artistas dirigían sus esfuerzos a la compilación de estampas o ilustraciones de una obra literaria. Luego, la era moderna—marcada por periodos bélicos de profundas repercusiones en cada aspecto de la vida—,permitió el surgimiento del libro en tanto catalizador de significados, narrativas verídicas o ficticias y, sobre todo, como una obra de arte en sí misma.

Revista Código presenta una selección de libros de artista producidos por creadores de distintas partes del mundo cuyos enfoques en cuanto a forma y temáticas varían de acuerdo a su contexto cultural y social.

—Every Building in The Sunset Strip (Edward Ruscha, 1966)
De manera irónica, Edward Ruscha (Omaha, Nebraska, 1937) se convirtió en un referente para la consolidación del libro de artista como género y disciplina con la publicación de Every Building in The Sunset Strip, obra realizada en 1966: una serie de fotografías conceptuales del paisaje norteamericano en un pliego de 7.6 metros de largo.

Sin firma y con un sobrio diseño, la pieza de Ruscha subvirtió el esquema del libro de artista al evitar hacer alusión a la figura del autor mediante la factura industrial de su trabajo —borrando de su propuesta lo artesanal detrás del libro de artista— y el propósito de generar un archivo del paisaje entre Los Ángeles y Oklahoma que es posible ver en un recorrido por la carretera que conecta a las ciudades.

—Tobacco Project (Red Book) (Xu Bing, 2000)
El proyecto Tobacco Project permitió al artista chino Xu Bing explorar disciplinas y procesos interdisciplinarios a raíz de su interés por comprender la producción y las transformaciones culturales ocasionadas por el consumo de tabaco en China, marcada por una dinámica industrial que compromete la calidad de los productos y la salud de los consumidores.

La obra Tobacco Project (Red Book) está compuesta por un conjunto de cigarros en un estuche metálico de color rojo que, en el papel donde el tabaco se envuelve, tienen impresas citas del Pequeño Libro Rojo de Mao Tse–Tung. Bing asocia las contradicciones en la relación de bienestar y daño a la salud que produce el consumo de las hojas del tabaco con el aparente optimismo y apertura a nuevas ideas del expresidente del Partido Comunista de China.

—The Word Made Flesh (Johanna Drucker, 1989)
El trabajo de Johanna Drucker (Philadelphia, Pennsylvania, Estados Unidos, 1952) abarcó, en sus primeros años como artista, la historiografía del alfabeto y las implicaciones del diseño tipográfico en la conformación del lenguaje y la interpretación de los textos.

En The Word Made Flesh, Drucker experimentó con el tamaño de las fuentes tipográficas para configurar nuevos sentidos en las oraciones, independientemente de que la estructura del texto atendiera al esquema tradicional de lectura.

—Les Mots en Liberté Futuristes (Las palabras futuristas en libertad, Filippo Tommaso Marinetti, 1919)
Aunque Filippo Tommaso Marinetti (Alejandría, Egipto, 1876-Bellagio, Italia, 1944) concibió Les Mots en Liberté Futuristes como una edición de «poesía futurista», la ruptura con las lógicas de presentación de una publicación impresa, así como la incursión en otros terrenos del arte como el dibujo o la gráfica desde el formato editorial, posicionaron la obra del poeta italiano como un precedente para el libro de artista.

En medio de onomatopeyas, cuyas fuentes están en diferentes escalas para subrayar la intensidad de los sonidos que pretende evocar, Marinetti construyó una imagen del paisaje urbano-industrial en emergencia a inicios del siglo XX.  

—Book Chess No. 1 [Buchschachspiel No. 1] (Takako Saito, 1999)
Asociada al movimiento Fluxus, Takako Saito (Japón, 1929) es una artista reconocida por sus proyectos de performance y arte-objeto, en especial por aquellos que involucran diferentes formas de entender la dinámica del ajedrez, ya sea a través de elementos visuales, sonoros, olfativos o, en el caso de su obra Book Chess No. 1, escritas.

Saito creó un tablero funcional para jugar ajedrez en el que cada pieza, representada mediante un sencillo cuadro de papel blanco o negro, define su rol en el tablero a partir de una descripción impresa en la superficie, alusiva a la forma de la pieza convencional.

—El arte nuevo de hacer libros (Ulises Carrión)
La prolífica carrera de Ulises Carrión (Veracruz México, 1941-Ámsterdam, 1989) en la literatura y las artes dejó una huella imborrable en la escena artística mexicana por sus reflexiones en torno al libro, tratadas desde la práctica artística en múltiples e híbridas disciplinas. Para el libro de artista contemporáneo, la influencia de Carrión es notoria, ya que a él se de debe gran parte de su configuración denominativa y las variantes que él mismo describió: nolibros, antilibros, pseudolibros, cuasilibros, libros concretos, etcétera.¹ 

De la inmensa obra de Carrión destaca una publicación que —sin ser tan experimental como buena parte de su trabajo— plantea un cuestionamiento directo a este objeto. El arte nuevo de hacer libros —texto escrito en 1974 en Ámsterdam publicado en la revista Plural² en 1975— es un escrito indispensable para repensar la práctica del artista y el productor editorial que, desde una estructura narrativa cercana al manifiesto, da a conocer sus apreciaciones estéticas del libro, gestadas a través de una profunda investigación teórico-práctica.

—Esto (no) es un libro de artista (Guillermo Álvarez Charvel y Héctor Falcón)
En 2012, los artistas Guillermo Álvarez Charvel (Ciudad de México, 1975) y Héctor Falcón (Culiacán, Sinaloa, 1973) presentaron una exposición en el Museo de Arte Carrillo Gil titulada Esto (no) es un libro de artista, en la que el libro fue el punto de partida para trabajar lo escultórico sin alejarse de cuestiones vinculadas con el lenguaje. Representados en la tridimensionalidad de sus propuestas, los libros en tanto material plástico fueron intervenidos con cortes, incisiones, entre otras acciones.

—La verdadera historia de los superhéroes (Dulce Pinzón, 2012)
La artista mexicana Dulce Pinzón (Ciudad de México, 1974) realizó una serie de retratos en los que representa al sector trabajador inmigrante mexicano en Estados Unidos como el referente perfecto de un «héroe desconocido», por las duras condiciones laborales que enfrentan en relación con el sueldo que perciben.

Pinzón recurre al imaginario y diseños de los cómics estadounidenses más populares para rendir un homenaje a los trabajadores en un formato poco convencional: las fotografías, si bien son escenas independientes, presentan un panorama integral de la relación económica entre dicho país y la fuerza de trabajo mexicana.

1 Gabriela Betsabé Miramontes Vidal,  Ulises Carrión, artista y teórico del libro. Revista electrónica Imágenes, del Instituto de Investigaciones estéticas de la UNAM. Consultado el 29 de agosto del 2018. Disponible en línea.

2 Plural fue una revista de crítica y literatura editada desde octubre de 1971 hasta diciembre de 1994, como iniciativa de un grupo de administradores y colaboradores del periódico Excélsior.